Les 30 meilleurs films de 2020 (liste à jour)

• D’un film de super-héros de Netflix
• à une comédie romantique en boucle temporelle
• en passant par un film d’horreur qui vous fera pleurer

Malgré les circonstances pandémiques qui bouleversent la vie telle que nous la connaissions avant, les films persistent. Enfin, certains d’entre eux.

Les salles de cinéma sont peut-être encore fermées en France, mais une petite récolte de films destinés à être diffusés en numérique ou en streaming (parfois plus tôt que prévu) a fait son chemin dans nos salles de quarantaine au cours des dernier mois.

• Du drame de salle d’Aaron Sorkin
• au retour au cinéma de Miranda July
• en passant par un méchant tour de Jude Law

…voici les meilleurs films que Films A l’Affiche a repérés jusqu’à présent.

The Way Back

Ben Affleck obtient l’un de ses plus grands (et plus personnels) rôles en tant qu’ancien joueur de basket-ball alcoolique du lycée qui a une chance de se racheter lorsqu’il est engagé pour entraîner l’équipe de basket-ball désespérée de son alma mater.

Ce rôle pourrait facilement s’enliser dans les clichés, mais le réalisateur Gavin O’Connor et le scénariste Brad Ingelsby trouvent un équilibre délicat entre la réalisation du drame sportif promis aux outsiders et la présentation d’un portrait du traumatisme et du chagrin qui résiste aux solutions faciles.

Au centre de tout cela se trouve la performance tendue et retenue de la star, un homme émotionnellement distant dont les démons considérables ne peuvent pas vraiment être vaincus avec quelques victoires.

Swallow

Haley Bennett est absurdement excellente en tant que femme au foyer dans la vallée de l’Hudson, somnambule dans un mariage somnolent jusqu’à ce qu’un trouble psychologique la force à prendre conscience.

Le drame psychologique de Carlo Mirabella-Davis est une exploration de l’oppression domestique et des attentes non examinées de la maternité – mais c’est aussi un genre d’histoire d’horreur corporelle à part entière, car son héroïne se retrouve à se laisser aller à l’envie d’avaler des choses qui n’ont jamais été destinées à la consommation humaine.

Ces spectacles de plus en plus dérangeants sont intégrés dans un film d’une beauté hypnotisante, comme un rêve qui cède la place à un cauchemar avant de vous renvoyer, brusquement, au pays des vivants.

Les Enfants du Temps

Makoto Shinkai, le roi du dessin animé, a conquis le monde en 2016 avec sa romance d’échange de corps Your Name, un énorme succès mondial destiné à devenir plus tard un remake américain.

Il n’est donc pas surprenant qu’il soit resté sur le même territoire de la romance adolescente pour sa suite, à propos d’un jeune fugueur à Tokyo et de la fille orpheline dont il tombe amoureux. Cette fille a le pouvoir de faire surgir le soleil, même brièvement.

Ce qui est surprenant, c’est l’humeur de Les Enfants du Temps, une histoire d’amour pour une époque de changement climatique qui refuse catégoriquement l’idée que les jeunes doivent se sacrifier sur l’autel des décisions des générations précédentes.

Elle est plus sombre et moins délirante que Your Name, mais ses émotions sont tout aussi grandes – assez grandes pour changer le cours de l’avenir.

Color Out of Space

Tout ce que vous devez savoir sur cette mise à jour de H.P. Lovecraft, c’est que Nicolas Cage est un mari, un père et un futur agriculteur qui possède des alpagas et en parle beaucoup.

Ou peut-être que le plus important est que cette crise d’horreur est l’œuvre du cinéaste Richard Stanley, qui fait un long retour sur le devant de la scène plus de deux décennies après avoir été licencié après le désastre de L’île du Dr Moreau.

Les choses commencent à aller très mal pour la famille malheureuse qui se trouve au centre du film, sans parler de ses animaux, lorsqu’un météore s’écrase sur leur propriété rurale et commence à déformer la réalité autour d’elle.

The Assistant

Le premier scénario de la réalisatrice Kitty Green dépeint une longue journée dans la vie d’un drone de bas niveau dans un studio de cinéma new-yorkais sans nom, un peu comme la Weinstein Company.

Jane (Julia Garner) prend des appels, fait des copies et frotte les fluides corporels du canapé du bureau de son patron, le tout avec le même regard sinistre comprenant que c’est ce qu’elle doit endurer pour avancer dans l’industrie de ses rêves.

Loin de se laisser abattre, L’Assistante dresse le portrait d’un lieu de travail abusif dans lequel le comportement de l’homme invisible à sa tête se répercute sur la dynamique du pouvoir et le comportement du reste de l’entreprise.

Cela inclut les ressources humaines, auxquelles Jane rend visite dans une scène centrale brutale qui souligne ce qu’il en est lorsque les seuls choix possibles semblent être de devenir complice ou d’abandonner.

Portrait de la jeune fille en feu

Le roman de Céline Sciamma du XVIIIe siècle est chauffé par un feu lent mais ardent.

La façon dont Sciamma filme la relation entre la dame titulaire (Adèle Haenel) et la peintre (Noémie Merlant) venue capturer son portrait est tout simplement extraordinaire : calme mais avec un sentiment d’urgence, serré mais sensuel.

Le dernier plan est un pur émerveillement.

Les Siffleurs

Le réalisateur roumain Corneliu Porumboiu aime jouer avec la procédure et la forme ; c’est un réalisateur idéal pour les contes ludiques sur les bureaucrates, les flics et autres fonctionnaires dans un pays encore aux prises avec les retombées d’une dictature communiste qui dure depuis des décennies.

Ses films sont des comédies cosmiques avec des moments de tragédie ironique, et cette comédie-fiction criminelle est peut-être la plus bizarre qu’il ait jamais réalisée.

Elle commence par un conte bizarre sur un policier qui doit apprendre un langage « sifflant » utilisé par les habitants d’une des îles Canaries afin d’aider à libérer un gangster de prison, puis se transforme en une méditation émouvante sur l’amour, la loyauté et l’amélioration de soi.

Il est préférable de voir le film sans rien savoir au préalable ; j’en ai déjà trop dit !

Une grande fille

Le drame historique du réalisateur russe Kantemir Balagov, d’une puissance bouleversante et d’une exquise facture (qui méritait vraiment au moins une nomination aux Oscars cette année ; il a été présélectionné mais n’a pas fait partie des cinq finalistes), suit deux femmes vétérans qui tentent de renouer avec la vie dans le Saint-Pétersbourg de l’après-guerre.

Le film commence par une tragédie indescriptible (le jeune réalisateur est connu pour piéger ses films avec une image ou une intrigue parfois dévastatrice) ce qui donne lieu à un stratagème émotionnel et structurel frappant.

Alors que les personnages luttent contre leur propre traumatisme, nous devons nous aussi faire face aux conséquences de ce que nous avons vu. Ce qui fait que tout cela fonctionne – et fonctionne si bien – c’est la maîtrise presque surnaturelle du langage cinématographique de Balagov :

• l’élégance de ses récits
• l’utilisation vivante et symbolique de la couleur
• l’humanisme des performances

Vous pouvez vous prélasser dans les délices cinématographiques d’Une Grande Fille tout en ayant le coeur en lambeaux.

Birds of Prey et la fantabuleuse histoire de Harley Quinn

A première vue, il est facile de rejeter Birds of Prey. Mais ce spectacle fébrile mis en scène par Cathy Yan et scénarisé par Christina Hodson est un triomphe qui prend le genre typiquement boiteux des superhéros et lui insuffle vie et bravade en retraçant l’émancipation de Harley Quinn (joué par une brillante Margot Robbie) dans l’ombre de sa relation avec le Joker.

Ce qui aurait pu être une bagatelle se révèle être une riche réimagination de Gotham City en un havre de paix étincelant pour des criminels comme le Black Mask Ewan McGregor et son bras droit, Victor Zsasz (Chris Messina tournant furtivement dans l’une des meilleures performances du film), qui talonnent Harley pour un diamant perdu.

L’intrigue n’a rien à voir avec le sujet. Ce qui compte, c’est l’expérience viscérale. Le costume conçu par Erin Benach est iconoclaste, imprégnant Harley d’une esthétique de confettis et de ruban adhésif.

Les acteurs de soutien donnent des tournures étonnamment réalisées, en particulier Mary Elizabeth Winstead dans le rôle de l’assassin maladroit mais engagé Huntress en mission de vengeance, et le redoutable Black Canary joué par Jurnee Smollett-Bell.

Ce qui fait fonctionner le film, c’est aussi ses décors d’action parmi les plus audacieux, les plus accrocheurs et les plus percutants qui soient, des décors qui débordent d’humour et de complication grâce à la coordination des cascades et à la chorégraphie de combat de Chad Stahelski.

Nous avons pu voir le film quatre fois en salle avant qu’il n’arrive en Blu-Ray, et à chaque fois, notre cœur a éclaté d’envie de voir ce film sauvage.

Sorry We Missed You

Nous aurions aimé être une mouche sur le mur lorsque Ken Loach – le plus grand chroniqueur cinématographique britannique de l’angoisse de la classe ouvrière et de l’humanisme quotidien – a appris l’existence de l’économie gigantesque.

Ce concept correspond parfaitement à la vision morale du réalisateur chevronné d’un monde dans lequel les humains ordinaires pensent régulièrement qu’ils peuvent être plus malins qu’un système conçu pour les détruire.

Dans ce drame exaspérant et déchirant, un ancien constructeur d’âge moyen se met à conduire un camion effectuant des livraisons de commerce électronique et découvre que son rêve d’être son propre patron est la plus cruelle des illusions.

Pendant ce temps, sa femme, qui travaille dans le secteur de la santé à domicile, se débat dans son coin dans une industrie dite « en pleine croissance ». Ce qui fait de cette entreprise l’une des meilleures de Loach n’est pas seulement sa rage (qui est abondante) mais aussi sa compassion (qui est écrasante).

Elle offre un échantillon représentatif de l’humanité, dans lequel tout le monde est pris dans une machine géante qui se débarrasse des faibles, se nourrit des forts et se perpétue.

Never Rarely Sometimes Always

Le troisième film d’Eliza Hittman est un thriller dont l’antagoniste n’est pas une personne, mais une société déterminée à traiter le corps des personnages principaux comme un bien commun.

Never Rarely Sometimes Always se déroule sur quelques jours au cours desquels une adolescente enceinte se rend avec son cousin à New York pour obtenir l’avortement que les restrictions lui ont interdit dans leur État d’origine, la Pennsylvanie. La précarité de leur situation, qui dépasse bientôt la capacité de leurs maigres ressources, est contrebalancée par la force de leur lien.

Les nouveaux arrivants Sidney Flanigan et Talia Ryder ne sont pas seulement magnétiques : ils transmettent, souvent sans paroles, ce que signifie avoir quelqu’un sur qui compter vraiment.

First Cow

Les rythmes du drame de Kelly Reichardt sur les frontières du Nord-Ouest du Pacifique au XIXe siècle sont idiosyncrasiques, voire impénétrables. C’est pourquoi vous n’êtes pas préparé aux révélations soudaines ni aux éclairs de connexion de ce film.

Il se concentre sur le lien entre deux hommes criminellement attachants :

• un boulanger aux manières douces (John Magaro)
• et un immigrant chinois entreprenant (Orion Lee)

…qui conçoit un plan pour presser le lait chaque nuit du seul bovin de la région (appartenant à l’homme le plus riche du comté).

Leur méfait leur font gagner des sommes colossales tout en les exposant à la justice populaire.

Vous êtes tiraillé entre l’exaltation et la crainte. Le film s’ouvre sur une phrase de Blake : « L’oiseau, le nid, l’araignée, la toile, l’amitié entre hommes » – une affirmation selon laquelle la maison n’est pas un lieu ni une chose mais un lien avec quelqu’un d’autre que vous.

Ce film obsédant vous transporte dans un autre monde – et redéfinit le foyer.

Filles perdues

Le sinistre drame de Liz Garbus est basé sur le livre de Robert Kolker, qui fait preuve d’une grande empathie pour les victimes d’un tueur en série de Long Island, toujours en liberté, qui aurait massacré entre 10 et 16 travailleuses du sexe, dont les corps reposent depuis des années sur une partie de la plage de Gilgo Beach.

Garbus se concentre sur le conflit entre une mère ouvrière (Amy Ryan), dont la fille aînée a disparu, et la police du comté de Suffolk – dirigée par un homme au costume grave et vide (Gabriel Byrne) – qui ne s’intéresse pas vraiment aux prostituées disparues.

Le film n’a pas la portée du livre de Kolker, mais en traçant un lien entre la misogynie meurtrière et l’indifférence patriarcale, il vous laisse dépourvu (Pourquoi n’agissent-ils pas comme des flics engagés à la télévision ?) et ensuite indigné. C’est un peu une charge anti-police.

Blow the Man Down

Ce film n’a pas été inauguré de façon théâtrale. Mais ce thriller meurtrier atmosphérique se déroulant dans un petit village de pêcheurs de Nouvelle-Angleterre est le genre de petit charmeur à suspense, monté avec art, que les réalisateurs actuels ne fabriquent plus beaucoup. A ce titre il semble donc très spécial.

Deux soeurs à court d’argent, qui luttent pour garder leur maison après la mort de leur mère, se retrouvent au milieu de ce qui semble être une conspiration élaborée et tordue impliquant le bordel de la ville et un groupe de vieux routiers avec quelques sombres secrets.

Le mystère central en lui-même est intéressant, mais les principaux attraits de ce film sont les personnages hauts en couleur et le sentiment d’appartenance au lieu établi par les scénaristes-réalisatrices Bridget Savage Cole et Danielle Krudy.

Bacurau

Un village rural du sertão est attaqué dans ce film de Juliano Dornelles et Kleber Mendonça Filho.

En dire plus sur les coupables constituerait un gâchis, mais soyez assuré qu’Udo Kier est impliqué.

Bacurau est un riff d’exploitation sanguinaire et une féroce protestation anticolonialiste, un film dans lequel un établissement de fortune, uniquement brésilien, se révèle plus résistant que n’importe quel politicien corrompu ou étranger rapace.

Sorti par inadvertance à l’ère du coronavirus, ce film de 2020 offre un message qui est un parfait mélange d’encouragement et de dérangement – que les communautés peuvent s’unir là où les gouvernements échouent, mais que le sens de la communauté doit se mériter.

Crip Camp : Une révolution du handicap

Deuxième long métrage à sortir sous l’égide de Barack et Michelle Obama dans le cadre de leur série Higher Ground pour Netflix, c’est un documentaire inspirant sur les droits civils qui semble être bon pour vous plutôt que bon mais qui s’avère être les deux.

Réalisé par Nicole Newnham et Jim LeBrecht (qui apparaît à l’écran), le film commence en 1971 dans le camp Jened des Catskills, où des adolescents et des « infirmes » (un mot utilisé à l’époque) d’une vingtaine d’années sont exaltés par la liberté de se sentir chez eux.

Leur expérience du camp jette les bases d’une manifestation qui fera date, au cours de laquelle des personnes handicapées (dont la commandante Judy Heumann) occuperont le quartier général de HEW pendant plus d’une semaine.

Il s’agit à la fois d’un profil de personnes déterminées à ne pas être invisibles – le simple fait de se montrer nécessitait une révolution psychologique – et d’une célébration enthousiaste de la contre-culture militante qui les a inspirées et soutenues.

Sea Fever

Dans ses grandes lignes, le film de Neasa Hardiman n’est pas si différent des nombreux films d’horreur sur la menace en mer…

Là où il demeure original, c’est que ce film, qui raconte l’histoire d’un chalutier irlandais attaqué par des parasites pathogènes sécrétés par une mystérieuse créature des profondeurs, a également une qualité de film dramatique:

• Vous pouvez sentir l’huile
• la sueur
• le sel
• entendre le grincement des moteurs
• le murmure des marins

Cela renforce à la fois notre terreur et la résonance sinistre et involontaire du film : Le spectateur se sentira mal à l’aise, car il sera obsédé par les mécanismes anxieux de l’infection, de l’exposition et de la quarantaine.

Pourtant, le film fonctionne non pas parce qu’il a été diffusé pendant une pandémie, mais parce qu’Hardiman construit sagement le suspense à partir de l’incertitude, alors que nos héros sont terrorisés par la solitude agonisante du grand large et par un némésis pratiquement invisible.

Selah et les Spades

L’école préparatoire de Pennsylvanie dans laquelle Tayarisha Poe fait ses débuts avec agilité pourrait rappeler des chroniques d’enfants riches et méchants comme Cruel Intentions, mais elle a plus de points communs avec le néo-noir Brick de Rian Johnson en 2005.

Selah et les Spades est un drame pour adolescents dans lequel la frontière entre la clique sociale et la famille de la mafia semble fortuite, se déroulant dans une bulle d’internat passionnante et insulaire, le privilège servant en quelque sorte d’agent de nivellement qui fait que les escarmouches quotidiennes pour la domination sont la seule chose qui compte.

Et au centre de ce monde étonnamment tumultueux se trouve Selah (Lovie Simone), un personnage dont le désir d’amitié se bat avec son instinct pour détruire toute personne qui conteste sa place.

C’est le portrait fascinant de quelqu’un qui, s’étant fait la reine de ce royaume limité, se retrouve terrifiée par la vie lorsqu’elle le quitte.

Bad Education

Hugh Jackman n’a jamais été aussi bon que dans le deuxième film de Cory Finley, réalisateur de Thoroughbreds, un drame basé sur une histoire vraie qui raconte un scandale de détournement de droits d’auteur dans un quartier chic de l’école publique de Long Island.

Dans le rôle de Frank Tassone, Jackman joue un menteur, un homme de spectacle, un politicien accompli et, en fait, un assez bon directeur de police, si vous ne vous souciez pas des crimes.

C’est un rôle qui utilise avec plaisir son flair théâtral inné qui peut parfois faire passer l’acteur pour un imposteur dans des rôles plus réduits.

Bad Education s’appuie sur des détails régionaux, dont le plus charmant est celui d’Allison Janney dans le rôle de Pam Gluckin, collègue administratrice, co-conspiratrice et fille de joie réticente.

Mais c’est finalement aussi tragique que drôle, une histoire sur les contradictions fondamentales des écoles publiques qui génèrent et bénéficient largement des dollars locaux, tout en faisant semblant de considérer l’éducation comme une vocation supérieure.

Bull

Les non-initiés considèrent que la course de taureaux est la démonstration ultime d’un risque insensé et inutile, alors que les initiés voient les choses à peu près de la même façon.

Il n’y a tout simplement aucune raison saine de tenter de s’accrocher d’une main à une créature qui a été réduite à la rage pure et qui vous déteste avec le feu de mille soleils – à moins que vous ne pensiez que la vie est déjà comme ça, et qu’il n’y a nulle part où aller pour être simultanément piétiné dans la poussière et acclamé.

Néanmoins, ce film inspirant reste centré sur la tentative d’une jeune fille de 14 ans d’échapper à son horrible vie de famille en faisant un apprentissage avec un ancien cavalier de taureau mutilé. Le scénario semblait perverse à l’extrême – jusqu’à ce que je voie le film, qui n’est pas du tout cela.

Nos mères

Ce film évoque la guerre civile du Guatemala, lorsque l’armée et les unités paramilitaires ont intensifié la torture, le viol et l’exécution « extrajudiciaire » de civils soupçonnés d’aider la guérilla de gauche.

Le film se déroule longtemps après la guerre, en 2018, lorsque le gouvernement actuel a commencé à demander des comptes aux anciens soldats. Alors que le procès est diffusé à la radio et à la télévision, un jeune archéologue légiste, Ernesto (Armando Espitia), émerge de divers sites de fouilles désolés et commence la tâche de relier les os de la hanche aux os de la cuisse, etc.

Lorsqu’une femme indigène, Nicolasa (Aurelia Caal), fait pression sur Ernesto pour qu’il retourne avec elle dans son village afin de l’aider à déterrer les restes de son propre mari, il se laisse aller à la colère, puis cède.

Ce qui suit est le genre de film qui ne se fait plus quand la vie est normale. C’est un bon film à voir quand vous êtes anxieux, dans la douleur, hypersensibilisé, incertain du sol sur lequel vous vous trouvez et que vous pensez – peut-être pour la première fois – que vous devriez commencer à creuser.

Si tu savais

Après 15 ans sans film, Alice Wu revient avec cette charmante comédie romantique – une autre variation de Cyrano de Bergerac – dans laquelle une étudiante (Leah Lewis) vivant dans un trou perdu du nord-ouest du Pacifique est engagée par un joueur de football (Daniel Diemer) pour l’aider à écrire des lettres afin de courtiser la plus belle fille de l’école (Alexxis Lemire).

L’idée n’est peut-être pas originale, mais ce que Wu en fait, oui.

Au fur et à mesure que la correspondance duplicative se développe et que l’écran s’illumine de mots, de messages textuels et d’images, le rêve d’un adolescent précoce à propos d’un monde meilleur se présente à nous.

Dans la plupart des bonnes comédies romantiques, on tombe amoureux des personnages ; dans Si tu savais, on tombe amoureux de leur désir pur et simple.

Le peintre et le voleur

Le documentaire délicieusement satisfaisant de Benjamin Ree commence comme un véritable récit de crime et se transforme ensuite en une sorte d’histoire d’amour sublimée.

Ses sujets sont Barbora Kysilkova, une artiste tchèque, et Karl Bertil-Nordland, un junkie norvégien qui vole une partie du travail de Barbora dans une galerie d’Oslo alors qu’il est en train de se saouler.

Lorsque Bertil est pris, Barbora le recherche et trouve en ce petit délinquant une muse inattendue.

Le Peintre et le Voleur est un film étrange et tendre sur l’extraordinaire intimité qui se développe entre ces deux personnes – toutes deux passionnées et sujettes à des veines d’autodestruction – qui pourraient très bien être des âmes sœurs.

The Vast Of Night

Un film de science-fiction rétro avec un style résolument moderne.

Les débuts d’Andrew Patterson en tant que réalisateur commencent au cours d’une soirée dans une petite ville du sud-ouest qui pourrait être le lieu d’une visite extraterrestre. Si cette installation vous semble familière, l’aspect et la sensation de ce film vous seront tout sauf familiers, avec des plans de poursuite éblouissants et des scènes dans lesquelles l’écran s’assombrit et laisse le spectateur se concentrer sur le crépitement d’un appel radio parlant de projets militaires secrets.

C’est un mélange de retour en arrière et de nouveauté qui s’appuie sur les performances de Sierra McCormick et de Jake Horowitz, deux adolescents qui enquêtent sur les événements étranges qui se déroulent.

Le voyage en Grèce (The Trip to Greece)

Tout au long de The Trip to Greece, le quatrième et dernier épisode de la série cinématographique et télévisée qui suit Steve Coogan et Rob Brydon dans les hôtels, les lieux touristiques et les établissements de restauration du monde entier, nous avons le sentiment que la réalité rattrape nos héros.

Coogan et Brydon jouent des variations fictives et exacerbées d’eux-mêmes ; leurs personnages à l’écran, remplis de jalousies mesquines, cherchent constamment à se dépasser l’un l’autre comme un vieux couple.

Les imitations qu’ils déploient sont familières – Anthony Hopkins, Sean Connery, Robert De Niro, Ray Winstone – et bien qu’elles soient amusantes, ce qui fait que tout cela fonctionne si bien est le fait que ces hommes adultes avec leurs impressions de duel continuent à se faire une concurrence acharnée. Pourtant, il est difficile d’échapper à la tristesse de ce film, qui se déroule au milieu d’une tragédie à la fois globale et personnelle.

Ce qui reste à la fin, ce ne sont pas les blagues ni la nourriture, mais le sentiment que le passé n’en a jamais tout à fait fini avec nous, que les déchirements, les passions et les tragédies d’aujourd’hui sont des variations sur des schémas anciens.

Je ne suis plus là (Ya No Estoy Aquí)

Dans ce film pensif et plongé, Ulises (Juan Daniel Garcia « Derek »), un « Cholombiano » de 17 ans, obsédé par la cumbia, originaire de la banlieue ouvrière de Monterrey, au Mexique, s’enfuit aux États-Unis et tente de se faire une vie à New York.

De retour chez lui, il est à la tête d’un petit groupe de danse connu sous le nom de Los Terkos.

Ils avaient des coiffures gélifiées, portaient des vêtements vibrants et amples, et passaient des heures à danser sur de la musique de cumbia et, parfois, à semer le chaos.

Le film suit les deux lignes temporelles alors que le garçon solitaire et démuni fait son chemin (et danse parfois) à travers New York tout en évoquant sa vie au Mexique et les circonstances macabres qui l’ont poussé à partir.

Le réalisateur Fernando Frias de la Parra se révèle être un maître du récit visuel, mais il n’est pas non plus du genre à nous tenir la main à travers un récit. Des éléments de costume ou de décor – les vêtements d’Ulises, ses cheveux, un quai de métro révélateur – sont souvent les seuls éléments dont nous disposons pour nous situer dans la structure quelque peu complexe du flashback du film.

Cela peut s’avérer difficile pour certains spectateurs. I’m No Longer Here demande votre attention, et il mérite votre attention. La musique et la danse – qui deviennent progressivement plus tristes, exprimant un profond mal du pays – sont agréables à regarder.

Lucky Grandma

• Est-ce que c’est… une comédie ?
• Un thriller ?
• Un drame réconfortant sur une vieille dame excentrique ?
• Une photo de gangster ?

La Lucky Grandma de Sasie Sealy, qui raconte l’histoire d’une veuve renfrognée et sans défense (Tsai Chin) qui se retrouve avec un sac rempli d’argent qui peut ou non appartenir à des gangsters de Chinatown, comporte des éléments de tous ces genres.

Tout au long du film, Sealy équilibre le danger réel et le jeu de poker. Le ton du réalisateur est comme un retour aux comédies indépendantes des années 80 et 90, des films de Hal Hartley, Jim Jarmusch et Susan Seidelman.

Mais ce qui fait que tout cela fonctionne si bien en fin de compte, c’est la performance bourruement attachante de Tsai Chin. L’actrice est probablement plus connue en France pour son rôle de tante Lindo dans Le Club de la Chance en 1993, mais elle a eu une carrière absurdement distinguée sur au moins trois continents.

L’actrice et le réalisateur construisent une symphonie à partir des grimaces et des regards de grand-mère Wong.

Le nid (The Nest)

Appelez cela du gothique transatlantique.

Ce drame lunatique et fabuleusement joué suit le déménagement d’une famille de la banlieue américaine vers un manoir de campagne délabré à l’extérieur de Londres, où leur vie commence à s’effondrer.

Nous sommes dans les années 80, et alors que le patriarche Jude Law tente de consolider une image de réussite qui ne correspond pas aux finances du ménage, Carrie Coon joue son épouse de plus en plus malheureuse, dont les rêves équestres commencent à s’aigrir de façon désastreuse.

The Nest est le deuxième long métrage très attendu du scénariste et réalisateur Sean Durkin, dont les débuts en 2011, Martha Marcy May Marlene, ont donné le coup d’envoi de la carrière d’Elizabeth Olsen avec son portrait claustrophobe d’une jeune femme luttant pour laisser derrière elle son temps dans une secte.

Ce nouveau film parvient à faire naître un sentiment d’étrangeté différent – comme une histoire d’horreur dont l’horreur réelle a été vidée, laissant derrière elle la maison troublée et les sentiments d’une peur croissante.

Les Sept de Chicago

Les Sept de Chicago est un drame judiciaire sur le procès de 1969 d’éminents manifestants lors de la Convention nationale démocrate qui s’est tenue l’année d’avant.

Ce procès était rempli de démagogie, de discours et d’autosatisfaction.

• La distribution comprend Yahya Abdul-Mateen II
• Joseph Gordon-Levitt
• Frank Langella
• John Carroll Lynch
• Eddie Redmayne
• Mark Rylance
• Alex Sharp
• Jeremy Strong
• Sacha Baron Cohen

Sans oublier Abbie Hoffman, dans le rôle d’un clown drogué en colère qui comprend le pouvoir stratégique du refus de se comporter de manière respectable. Et vous savez quoi ? Il a raison.

Kajillionaire

Les personnages brisés de Miranda July font peut-être des choses étranges et précieuses, mais ils le font parce qu’ils semblent incapables de vivre dans le monde.

Tous ses films parlent de notre recherche d’expériences ou de personnes pour tenir à distance l’obscurité vaste et gênante – notre désir d’un endroit heureux.

Son dernier film, sur une famille d’escrocs pas très bons mais très engagés qui vivent lamentablement dans les rues de Los Angeles, combine son penchant pour l’absurdité douce avec une atmosphère d’impasse intemporelle.

Le film est hilarant, mais il ressemble aussi à un rêve d’angoisse grandissante, rempli de nostalgie, de rage frémissante et de menace existentielle, alors que July nous plonge effectivement dans ce monde imprévisible et provocateur.

Kajillionaire est peut-être son meilleur film à ce jour.